Często w świecie fotograficznym słychać dylematy pt. RAW czy JPEG? Którą opcję wybrać? Każda z nich ma swoje wady i zalety, jednak każdy fotograf, który poważnie myśli o fotografii, zaczyna działać na tzw RAWach. Czy nadal zastanawiasz się, jakie są różnice pomiędzy RAW a JPG? I czy warto fotografować w RAW? Dobrze trafiłeś, dziś postaramy się rozwiać wszystkie wątpliwości i niepewności.

Jak już wyżej pisaliśmy, najlepiej fotografować i zapisywać pliki w formacie RAW (dla początkujących RAW+JPEG). Dzięki RAW mamy jako fotografowie pełną kontrolę nad zdjęcie. Wiadomo, nie jest to antidotum na nieudane zdjęcia, jednak jest idealny dla osób zajmujących się świadomym fotografowaniem.

Co to jest RAW?

Nazywany jest cyfrowym negatywem ponieważ, aby zobaczyć co zawiera, trzeba go wywołać “w cyfrowej ciemni” czyli w odpowiednim programie np. Lightroom. Pamiętajmy, że podgląd wyświetlany przez aparat nie jest wyglądem RAW! Jest to obraz tylko JPEG, który powstałby przy aktualnych ustawieniach aparatu. RAW są to surowe pliki zapisu sygnału z matrycy w czystej postaci sprzed ingerencji procesora obrazu. Nie ma w nim informacji nawet o kolorze pikseli. Jest to format bezstratny z odwracalnym algorytmem.

Co to jest JPG?

Najbardziej popularny JPEG jest bardzo wygodnym sposobem zapisu zdjęć na kartach pamięci ale posiadającym pewne wady. Najpoważniejszą jest kompresja. Przy powstawaniu JPEG stosuję się  tak zwaną kompresję stratną czyli usuwane są z niego pewne informacje o obrazie. Niebezpieczeństwem są pojawiające się w przypadku nawet niewielkich kompresji tzw. artefakty, czyli efekty wizualne pogarszające odbiór obrazu. Widoczne są one szczególnie przy delikatnych i płynnych przejściach w kolorach, delikatnych szczegółach np. liniach, fotografiach przedstawiających regularne struktury. Warto także pamiętać, że JPEG zawsze współpracuje z 8 bitową głębią kolorów. Co nie przeszkadza finalnemu obrazowi (odpowiada temu, co może widzieć człowiek), ale w trakcie obróbki w cyfrowej ciemni lepiej jest używać większej głębi kolorów m.in. dla uzyskania lepszej jakości przejść tonalnych (to umożliwia np. RAW).

Co robić dalej, gdy działamy na pliku RAW?

Przede wszystkim otwieramy go w dedykowanym do wywoływania RAW programie graficznym. Potem w trakcie obróbki możemy wybrać ustawienia np. balansu bieli, kontrastu, odszumienia, kolorystyki i ostrości, można dokonać korekty wad obiektywów oraz korekcji obrazu.

Najważniejsze dla fotografa jest to, że pliki RAW mają po wywołaniu większą rozpiętość tonalną, lepszą przestrzeń barwową i pozwalają na korzystniejszą ekspozycję szczegółów, można je wyostrzyć i odszumić. Jednak efekty są widoczne po obróbce (wywołaniu) i oszlifowaniu w programie graficznym.

Wynik swoich prac może zapisać w nowym pliku JPEG, PSD lub TIFF ale informacja zawarta w oryginalnym RAW pozostaje nie zmieniona. Ten sam pilik można “wywołać na kilka odmiennych sposobów bez strachu o nadpisanie oryginału. RAW jest mniej czuły na prześwietlenia niż JPEG .

Jak widzicie, pliki RAW dają nam dużo większe możliwości i pozwalają na większą kontrolę nad jakością i ostatecznym efektem zdjęcia. Nie bójcie się, na początku może być trudno się przestawić, ale później – działanie na RAWach to czysta przyjemność!

Czy pamiętacie jeszcze czasy, gdy fotografowało się aparatami analogowymi? Do dyspozycji było jedynie 24 lub 36 klatek, zdjęcia wywoływało się w ciemni, a mało kto mógł być pewien efektu, który uda się uzyskać. Parę lat temu, gdy aparaty cyfrowe na dobre rozgościły się na rynku, mało kto sięgał po tzw. analogi. Jednak od niedawna stary sprzęt wraca do łask. Młodzi szukają skarbów w szufladach rodziców, dziadkowie uczą jak fotografować, a coraz więcej fotografów sięga po analogi, by urozmaicić swój warsztat. Jednak to, co dobre, nigdy nie przebrzmi, zawsze wygra. 

Następnych parę wpisów poświęcić chcielibyśmy fotografii analogowej. Wychwycić esencję i dać Wam to, co najlepsze. 

Tradycyjna fotografia jest wyjątkowa. Pozwala w pełni skupić się na każdym kadrze, dać upust fantazji, a jednocześnie zmusza nas do całkowitego skupienia i myślenia o tym, co konkretnie chcemy ukazać. Tutaj nie sprawdzają się „serie” – każde zdjęcie jest wyjątkowe. Każdemu trzeba poświęcić chwilę, by je zaplanować, przemyśleć i dopiero wówczas nacisnąć spust migawki. Ogromne znaczenie w fotografii analogowej ma film, jaki włożymy do aparatu – to od niego zależy efekt końcowy. Czy kolorowy czy czarno-biały? Jeśli czarno-biały, to czy do wykorzystania przy portretach czy krajobrazach, o jakiej tonacji, z jaką ziarnistością?

Dziś od tej kwestii chcemy zacząć – jaki czarno-biały film wybrać, na co zwrócić uwagę? 

Obecnie rynek fotografii analogowej mocno się skurczył i wybór filmów nie jest już tak wielki, jak kiedyś, jednak wciąż mnogość opcji potrafi przytłoczyć i zdezorientować. 

Dostępne filmy różnią się czułością, tonacją, zakresem szarości, ziarnistością – a także ceną. 

Zasadniczo współczesne filmy czarno-białe dzielą się na dwa rodzaje – takie z klasyczną strukturą i typu T. Czym się różnią? Typ T to mniejsza ziarnistość i lepsza ostrość, co sprawia, że efekt zasadniczo nie odbiega jakością od cyfrowego. 

Najpopularniejsza marka to Ilford. W ofercie znajdziemy filmy o bardzo szerokiej rozpiętości tonalnej (jak FP4 (ASA 125) oraz HP5 (ASA 400)). Są to filmy o klasycznej strukturze. To, co je charakteryzuje to duża gradacja szarości i kontrast – od głębokiej czerni, po śnieżną biel. Plusem jest ich odporność na prześwietlenia czy niedoświetlenia i błędy w procesie wywoływania – nadadzą się zatem dla początkujących adeptów fotografii czy odważnych eksperymentatorów. Podobnie dobre są też filmy Agfy (APX), Rollei (RpX), Fompana i Ilroda (PAN). Różnią się strukturą ziarna i tonacją, co wpływa na kontrastowość pojedynczych klisz.

Jeśli chodzi o filmy typu T, to trzeba nadmienić, że są one bardzo ostre i mają niewielkie ziarno, przy jednocześnie szerokiej tonacji – nawet przy wysokiej czułości. Aby nie było tak kolorowo – nie są one aż tak odporne na eksperymenty przy wywoływaniu. Do tej grupy zaliczyć można KOdak T-MAX, Fuji Neopan Acros i Ilford Delta. Są świetne do pracy, bardzo techniczne, gorzej sprawdzą się w fotografii artystycznej, bowiem wymagają dedykowanej chemii do kryształków T oraz dłuższego utrwalania. 

Jak widzicie – jest w czym wybierać. Przy decyzji kierujcie się tym, do czego chciecie wykorzystać dany film i co będziecie nim fotografować. 

Każdy z nas – fotografów mniej i bardziej profesjonalnych – przynajmniej raz zadał sobie pytanie, co jeszcze można zrobić, by osiągać lepsze efekty, które sprawią, że nasze fotografie będą jeszcze ciekawsze i piękniejsze. Wszyscy wiemy, że w świecie fotografii liczy się parę żelaznych zasad, ale tak naprawdę o sukcesie niejednokrotnie świadczą małe rzeczy, drobne detale, które w ostateczności drobnymi krokami budują cały obraz.

Gdy człowiek fotografuje, często w życiu codziennym zaczyna myśleć kadrami – zamiast całokształtu widzi detale, zwraca uwagę na światło, obserwuje świat pod odpowiednim kątem, ustawia fragmenty dnia tak, by nadać im sens i odpowiednio oddać znaczenie. To klucz do sukcesu – myślenie fotografią.

Co jeszcze sprawia, że nasze fotografie odniosą sukces? Oto garść refleksji i podpowiedzi. Mamy nadzieję, że okażą się być przełomowe.

Jak wiadomo – najważniejsze jest światło. Bez niego nie byłoby kolorów, kontrastu, nasycenia. Nie byłoby tego, co świadczy o fotografii: głębi. Dobre zdjęcie to dobre światło.

Mamy to szczęście, że w obecnych czasach możliwości sprzętu są ogromne. Wysokie ISO nie równa się już szumom, a jeśli ktoś ma zamysł i pomysł, to z odpowiednią wiedzą będzie umiał wykorzystać także światło zastane, przy niskim ISO, by później móc działać w postprodukcji.

Równie pomocna co ISO jest także matryca – nasz materiał światłoczuły – jej jakość będzie decydowała o efekcie końcowym. Podobnie rzecz się ma z wyborem obiektywów – jakość soczewek, materiał, z którego wykonane są powłoki mają kluczowe znaczenie. Wysokiej klasy obiektyw przechwytuje więcej kolorów, daje ostrzejszy obraz, tworzy całość. Utrwaliło się takie powiedzenie, że z dobrym obiektywem, a słabym aparatem zrobi się lepsze zdjęcie, niż świetnym aparatem ze złym szkłem. Prawda.

Wielką rolę odgrywa też pora dnia i warunki atmosferyczne. Każdy słyszał o Złotej Godzinie, czyli czasie wschodu i zachodu słońca, gdy natura daje nam piękne, pastelowe światło, które pozwala wyeliminować zbyt duży kontrast i wszelkie prześwietlenia. Wiadomo – nie zawsze uda nam się trafić na piękny wschód czy zachód słońca i nie zawsze efekt będzie taki, jakiego oczekiwaliśmy, jednak zawsze warto próbować i jednak włożyć trochę wysiłku, by fotografia olśniewała.

Warto więc sprawdzić dokładny czas wschodu i zachodu i być na miejscu sporo przed pojawianiem się i zniknięciem słońca – by nie uciekła nam żadna chwila, a my – byśmy mogli się przygotować. Zawsze warto też zerknąć na prognozę pogody – by nie zaskoczyły nas deszcze, mgły i zachmurzenie.

Dobrze jest też zaplanować światło – wiele zależy od kąta padania promieni słonecznych na dany obiekt, ukierunkowanie miejsca i jego położenie. Przed wyprawą dobrze jest zerknąć na mapę i lokalne strony internetowe. Gdy dobrze się przygotujemy, na fotografiach uda nam się oddać magię danego miejsca.

A jeśli na miejscu okaże się jednak, że pogoda nas zaskoczyła – to nic! Zawsze wykorzystujmy to, co dostajemy: pada? asfalt będzie jak lustro! mgła? przydymione światło do portretów! mocne słońce? idealnie do kontrastów przy fotografii krajobrazu i architektury! To fotograf decyduje jak pobawi się ze światłem i wykorzysta je najlepiej. Działanie w zaskakujących warunkach i inwencja świadczy o doświadczeniu fotografa. Nie bójmy się eksperymentować i stale dokształcać.

To pierwsza część nowego poradnika, w kolejnych będziemy mówić także o dobrym momencie (bo w życiu może nie warto na niego czekać, ale w fotografii zawsze), tematyce, ludziach, postprodukcji. Zapraszamy niedługo!

Każdy z początkujących fotografów w pewnym momencie dochodzi do wniosku, że dobrze byłoby móc swoją pasję przekłuć w formę zarobku – choćby po to, by móc inwestować w nowy sprzęt. Mimo że na początku cała sprawa może wydawać się dość trudna i skomplikowana, z czasem, zagłębiając temat krok po kroku, okaże się, że nie taki diabeł straszny, a sposobów zarabiania na fotografii jest nieskończenie wiele. Naprawdę! Jeśli tylko masz pomysł na siebie i talent, wiele możliwości stoi przed Tobą otworem. W dzisiejszym wpisie przygotowaliśmy trochę porad i propozycji, jak zacząć i co zrobić najpierw, by móc połączyć przyjemne z pożytecznym. 

Na samym początku, pamiętaj, że nie od razu Kraków zbudowano i każdy – nawet najbardziej profesjonalny fotograf – od czegoś zaczynał i się uczył. Doświadczenie przychodzi razem z praktyką, a człowiek uczy się na błędach: nie bój się więc je popełniać. W zasadzie istnieją trzy dziedziny, w których możesz stawiać swoje kroki jako fotograf: 

•  fotografowanie ludzi (wesela, portrety, zdjęcia biznesowe, do dokumentów)
•  zdjęcia produktowe (do katalogów czy na stronę internetową)
•  inne, np. retusz odbitek, fotografia stockowa. 

To, którym rodzajem fotografii zajmiesz się na poważnie, zależy od tego, co jest Twoją mocną stroną i w czym czujesz się najpewniej. Czy wolisz pracę z ludźmi i interakcję z nimi, umiesz współpracować, słuchać i prowadzić dyskusje o efekcie końcowym? Czy jednak cenisz sobie spokój i swoją obecność, pracujesz w ciszy i skupieniu? A może największą frajdę sprawia Ci praca zdalna, wolnego strzelca? Musisz odpowiedzieć sobie na te pytania, zanim przystąpisz do działania. Jedyna rada i sugestia: największy (i stosunkowo najszybszy) zarobek przynoszą zdjęcia ludzi, zdjęcia z eventów i fotografia produktowa. Na fotografii krajobrazowej zarabia wąska grupa ludzi, którzy mają świetny sprzęt i lata doświadczenia za sobą. 

Najczęstszym i niekiedy najtrafniejszym wyborem na początek jest fotografowanie ludzi. Istnieje jednak wiele innych możliwości. 

1. Fotografia ślubna

To dość wymagająca dziedzina i niekiedy ciężko jest się wybić, bowiem konkurencja jest spora, jednak w momencie, gdy zaskarbisz sobie sympatię klientów, na ilość pracy nie będziesz narzekać. Na początek zacznij od robienia zdjęć znajomej parze czy rodzinie. Jeśli spodobają im się twoje fotografie, to masz szansę na zamówienia od klientów.

2. Fotografia rodzinna

To bardzo szeroka kategoria: zdjęcia z urodzin, chrztu, rodzinnych imprez etc, jedna z najważniejszych pamiątek. Pierwszym krokiem Twojego działania powinno być założenie strony z portfolio, by móc dotrzeć do szerokiego grona odbiorców. Portfolio będzie przydatne w momencie, gdy zdecydujesz się na fotografię eventową: koncerty, imprezy, wydarzenia sportowe.

3. Zdjęcia niemowląt

Ostatnio coraz popularniejszy odłam fotografii, dość wymagający jeśli chodzi o wiedzę, jednak pod kątem sprzętu – mocno intuicyjny.

4. Fotograf w social media

Praca wolnego strzelca, dość duża niezależność. Obecnie większość firm istnieje na Facebooku i Instagramie, często potrzebują zdjęć swoich usług i produktów, regularnie i nieprzerwanie. Warto osobiście skontaktować się z nimi i zaproponować współpracę. 

5. Fotografia produktowa

Działa podobnie jak w przypadku social mediów, jednak wymaga dużo doświadczenia w branży. Jeśli lubisz robić zdjęcia przedmiotów, to możesz zacząć do szukania zleceń na portalach dla freelancerów.

6. Retusz

Wielu fotografów daje z siebie wszystko, jednak niekiedy efekty zdjęć pozostawiają wiele do życzenia. Jeśli znasz się na programach graficznych, śmiało możesz zaproponować fotografom czy firmom swoje usługi jako retuszer.

7. Banki zdjęć, czyli stocki

Dodaj kilka swoich realizacji do płatnych banków zdjęć. Pamiętaj jednak, że w tym wypadku jakość zdjęć musi być perfekcyjna, a zdjęcia na najwyższym poziomie. Tematyka – nieograniczona. 

Jak widzisz, istnieje wiele sposobów zarabiania na fotografii, na cokolwiek się nie zdecydujesz, pamiętaj, że zawsze trzeba dbać o wizerunek swojej marki. Prężnie działaj w social mediach, dbaj o kontakt z klientami. To na pewno zaprocentuje w przyszłości!

Niedawno w sieci ukazał się filmik Irene Rudnyk. Na co dzień artystka ta zajmuje się fotografią portretową, którą – jak sama mówi – zna jak własną kieszeń. W filmie postanowiła podzielić się swoją wiedzą z początkującymi fotografami i pomóc im udoskonalić portrety. Skupia się głównie na pracy w programie graficznym Photoshop, gdzie – z odpowiednią wiedzą i małymi sztuczkami – można znacznie poprawić wygląd modelki na zdjęciu. Film ukazuje 10 pomocnych tricków, które fotografka stosuje podczas retuszu, a dzięki którym modelki na fotografiach Irene zawsze wyglądają świetnie. 

Pierwszą rzeczą, na którą Rudnyk zwraca uwagę, jest możliwość zmiany proporcji zdjęcia bez jego kadrowania. Gdy w czasie retuszu okaże się, że gdzieś zostawiliście za mało miejsca, wówczas wystarczy rozszerzyć obszar roboczy, zaznaczyć obszar zdjęcia, gdzie tło jest rozmyte i z pomocą narzędzia „przekształć swobodnie” > „zniekształć” rozciągnąć ten obszar do brzegów kadru.

Kolejną sztuczką jest sprawienie, by nogi modelki stały się bajecznie długie. Całość polega na tym samym, co ostatnio, jednak tym razem obszar roboczy rozszerzamy w dolnej części zdjęcia, a w rozciągniętym obszarze muszą znaleźć się nogi modelki mniej więcej od połowy uda. 

Gdy chodzi o to, by nadać objętości fryzurze modelki, wtedy warto sięgnąć po narzędzie „formowanie” i małymi ruchami „zawijania w przód” (narzędzia oznaczonego ikonką palca) zwiększyć objętość włosów. 

Jeśli zależy wam na wydłużeniu szyi modelki, Rudnyk znowu odsyła do w/w narzędzia – wówczas pędzlem podobnym wielkością do twarzy, obniża się pozycję ramion. 

Kolejną rzeczą, o której przypomina fotografka, jest możliwość wyrównania kolorytu skóry – jednak tutaj należy pamiętać, że nie w każdym ujęciu możliwa jest a opcja i nie zawsze efekt będzie wyglądał naturalnie. Wciąż – bywa to przydatne przy edycji portretu i znacznie upraszcza pracę. 

Irene uczula też, by dobrze znać program i pamiętać o wszystkich jego możliwościach. W filmiku przypomina o pracy na warstwach i o możliwościach, które za tym idą (wprowadzenie zmian tylko na wybranych partiach zdjęcia za pomocą maski). 

Bardzo przydatna i ważna jest kolejna sprawa, którą porusza Rudnyk. Mowa mianowicie o wyostrzeniu zdjęcia za pomocą filtra górnoprzepustowego. Większość zaawansowanych portrecistów zna tę sztuczkę. Na górnej warstwie stosowany jest filtr górnoprzepustowy. Warstwę następnie miesza się w trybie „nakładka”, „łagodne światło” lub „ostre światło” i w zasadzie – gotowe. Należy pamiętać, by nie przesadzić, wówczas efekt będzie bardzo nienaturalny. 

Rudnyk pod koniec nagrania wspomina też o warstwie „kolor selektywny”, która daje wiele możliwości pracy i udoskonalenia zdjęcia (to tyczy się nie tylko portretów!). Dzięki niej możemy dostosować kolorystykę i urozmaicić przekaz. 

Ostatnią rzeczą jest warstwa „krzywe” służąca do przyciemnienia brwi i rzęs. Z jej pomocą przyciemniamy całe zdjęcie, a później białym pędzlem ze zmniejszonym kryciem malujemy po brwiach i rzęsach. 

To już wszystkie techniki i sztuczki, którymi podzieliła się Irene. Większość z nich jest dobrze znana, a wszystkie są naprawdę mało skomplikowane i nietrudne, a pomagają w ulepszeniu portretów. Świetnie posłużą tym, którzy są dopiero na początku swojej drogi z retuszem. Te wskazówki warto zapamiętać i wykorzystać w odpowiednim momencie. 

Czujecie się znudzeni kolejnymi podobnymi do siebie portretami, takimi samymi pozami, minami, ustawieniem modelek? A może nie zadowalają Was już zwyczajne fotografie, pełne powtarzających się elementów i motywów? Macie wrażenie, że rynek fotograficzny nie ma Wam nic nowego do zaoferowania? A czy słyszeliście kiedyś o podwójnej ekspozycji? Ona może odmienić Wasze spojrzenie i podejście do fotografii. 

Funkcja double exposure w aparacie

To nic innego, jak połączenie dwóch nachodzących na siebie fotografii tak, by tworzyły wspólnie jedną całość. Sarah K. Byrne, fotografka z Portland, do podwójnej ekspozycji używa swojego aparatu, który ma wbudowaną ww. funkcję. Robi dwa zdjęcia. Pierwsze zdjęcie zawsze robi ciemniejsze, aby rozjaśnić je światłem z drugiego ujęcia. Krótko po odkryciu tej funkcji w swoim Canonie, Byrne poszła o krok dalej. Połączyła zwykły, przyciemniony portret ze zdjęciem krajobrazu, tworząc tym samym serię odrealnionych, niemalże magicznych obrazów. 

Zabawa w programie do edycji

Efekt podwójnej ekspozycji można osiągnąć także w procesie edycji, dzięki odpowiedniemu oprogramowaniu. Najprościej – co dość oczywiste – będzie zadziałać w Adobe Photoshop. Przy zdjęciach z tym efektem należy pamiętać o kilku podstawowych rzeczach:

— doborze zdjęć — główny motyw na jasnym tle, a zdjęcie drugoplanowe – nieodwracające wzroku

— mieszaniu zdjęć kolorowych z kolorowymi, i czarno-białych z czarno-białymi

— wyrównaniu balansu bieli między nimi. 

Gdy mamy opanowane te podstawy i wybrane zdjęcia, zaczynamy pracę. Dobieramy odpowiedni motyw i wówczas nie pozostaje nic innego jak przełączenie trybu mieszania na „ekran” i dopasowanie zdjęć, aby motywy się odpowiednio przenikały. Wybrane pliki wywołujemy osobno, regulując kontrast, balans bieli, poziom wyostrzenia i inne podstawowe parametry zdjęciowe. Następnie obrazy, które zamierzamy połączyć, wklejamy do jednego pliku – każdy na osobnej warstwie. Kluczowe aspekty wpływające na wygląd ostatecznego obrazu są trzy: kolejność warstw, stopień przezroczystości poszczególnych warstw oraz sposób ich łączenia/nakładania.

A w zasadzie to po co? 

Zastosowań podwójnej ekspozycji jest wiele – od czysto utylitarnych i technicznych po kreacyjne i nastrojowe. Te pierwsza mogą być reklamowe lub edukacyjne czy techniczne np. zdjęcia motocyklisty wykonującego efektowne skoki w powietrzu czy księżyca wędrującego nocą po niebie. W podobny sposób powstaje też wiele fotografii reklamowych przedstawiających bajkowe kompozycje przeczące prawom fizyki.  Warto skorzystać z tej techniki podczas fotografowania portretów, np. dodając do czyjegoś wizerunku ciekawą fakturę. Odpowiednio regulując proporcje jasności i przezroczystości części składowych, możemy uzyskać nastrojowe efekty, np. łącząc czyjś wizerunek z fotografią partytury zapisanej gęsto nutami albo ze zdjęciem ciemnej ściany lasu. 

Dziś chcielibyśmy rozwinąć ten temat – jako że portrety to najczęściej wybierany przez fotografów kierunek. Czas na zagadnienie pt. jak ustawić modelkę do zdjęć. 

Wiadomo, że najlepiej jeśli zdjęcia są naturalne, uchwycone znienacka. Niekiedy jednak nie jest to możliwe lub – wprost przeciwnie – chcemy w pełni panować nad sytuacją. Wówczas trzeba nakierować modelkę – powiedzieć jej, jak ma stanąć lub usiąść, co zrobić z rękami itp. W fotografii portretowej ogromną rolę odgrywa pozycja modelki – to od niej zależy, czy dziewczyna wypadnie korzystnie, czy uchwycimy ją jak najlepiej. 

• Kadr centralny, ale z uwzględnieniem mocnych punktów 

Mocne punkty to nic innego jak punkty przecięcia kadru w miejscach styku linii trójpodziału. W portrecie zawsze skupiamy się na twarzy osoby fotografowanej, którą ustawiamy w centralnym miejscu kadru, jednak warto zadbać o to, by jej oczy znalazły się w jednym z mocnych punktów. A gdy spogląda ona w bok lub gdzieś w dal, wówczas dobrze jest zostawić więcej miejsca z jednego boku kadru (do którego skierowany jest wzrok modela), co nadaje zdjęciu więcej charakteru i tajemniczości.

• Aparat na wysokości oczu

Nie jest to oczywiście żelazna reguła, jednak warto ustawić aparat na wysokości oczu modelki (lub nieco wyżej), dzięki czemu zachowane zostaną odpowiednie proporcje sylwetki. Gdy chcemy wysmuklić osobę i wydłużyć nogi, wtedy zejdźmy z obiektywem niżej. 

• Ręce w talii 

Jedna z najprostszych póz, a jednocześnie najbardziej efektowna. Modelka łapie się w talii – co ją mocno wyszczupli, doda zdjęciu charakteru, a przy tym – dziewczyna będzie miała co zrobić z rękami (a to bywa naprawdę niełatwe – co z dłońmi?!). 

• Ręce we włosach

Druga pomoc z temacie, co zrobić z rękami.  Warto wykorzystać to, że większość modelek ma długie włosy (choć i z krótkimi bardzo dobrze zagra to ułożenie). Zdjęcie stanie się wówczas bardziej ciekawe, dynamiczne i przystępne w odbiorze. Ta poza sprawia wrażenie bardziej naturalnej, co pozytywnie wpływa na postrzeganie całości. 

• Zaplecione nogi

Dzięki zapleceniu nóg, wyglądają one na szczuplejsze i odrobinę dłuższe. Dodatkowym atutem jest bardzo duże podkreślenie figury kobiety. Działa na wszystkich modelkach.

• Wzrok skierowany w dal

Świetne ustawienie, które sprawdza się zawsze. Poprośmy modelkę, by spojrzała w dal, a najlepiej w górę. Skupmy się na jej profilu. Fotografujmy nieco od dołu. To pozwoli nam stworzyć zdjęcie ciepłe, pełne napięcia, a jednocześnie – skupimy wzrok odbiorcy na „celu” spojrzenia modelki, odwracając uwagę od mankamentów sylwetki. 

Jeśli już wiesz, jakie pozycje są najbardziej korzystne w czasie pozowania, działaj. Pamiętaj także o tym, by w portrecie 90% uwagi poświęcić na oczy – to one powinny być naszym głównym celem, dzięki nim uzyskamy na fotografiach „to coś”. 

Malowanie światłem to jedna z popularniejszych technik fotograficznych. Polega na „naniesieniu” na zdjęcie światła za pomocą ręcznego źródła światła jak na przykład pochodnia czy sztuczne ognie, przy jednoczesnym ustawieniu długiej ekspozycji. Malowanie światłem cieszy się sporą popularnością, gdyż bez specjalnych sprzętów i ustawień pozwala osiągać wspaniałe efekty. Aby wynik był zachwycający, nie trzeba ani profesjonalnego sprzętu ani długoletniego doświadczenia. Co więc należy zrobić. by stworzyć piękną fotografię? Włączyć kreatywność i zacząć zabawę!

Wymagany sprzęt i ustawienia:

aparat z możliwością regulacji ekspozycji i/lub opcją Bulb – by osiągnąć długi czas naświetlania;

porządny statyw lub stabilne miejsce, na którym można postawić aparat – ekspozycja będzie trwała minimum parę sekund, więc niemożliwym jest trzymanie aparatu w dłoni cały czas;

źródło światła – mogą to być lampki LED, pochodnie, świece, latarka; jeśli używacie latarki, nie kierujcie jej światła bezpośrednio na obiektyw, ponieważ może to spowodować efekt flary. Do malowania światłem, szczególnie w przypadku linii, idealnie nadają się kolorowe diody LED o małej mocy.

Poza tym, trzeba znaleźć ciemne miejsce – czy to w pomieszczeniu czy w plenerze i na wszelki wypadek zaopatrzyć się w zapasowe baterie.

Krok po kroku:

Umieść aparat na statywie, ustaw wszystkie parametry tak, by dopasowane były do długości naświetlania (najczęściej ISO ok. 100, przysłona min. f/9, obszar ostrości ustawiaj ręcznie, przy długim czasie naświetlania aparat sam tego nie zrobi). Pamiętaj, że im bardziej szczegółowy wzór chcesz przedstawić, tym dłuższego czasu potrzeba. Zacznij od ok. 10 sek i za każdym razem coś zmieniaj, nie bój się eksperymentów!

Jeśli współpracujesz z modelem, poproś go o możliwie jak najmniejsze wykonywanie ruchów – niech się nie rusza! To może być problem, jeśli naświetlamy np. 60 sek, ale zawsze może usiąść np. na krześle, druga osoba (poza kadrem) niech go oświetla.

No i zaczynamy malowanie światłem. Nie zniechęcajcie się po pierwszych nieudanych razach, nie od razu Kraków zbudowano! Włączamy aparat, zaczynamy naświetlanie. Jeśli nie chcemy, by osoba, która „maluje” była widoczna prosimy ją o jak najczęstsze zmienianie pozycji. Cały czas oświetlamy modela, a „malarz” zmienia miejsce. Bardzo ważna wskazówka – źródło światła musi znaleźć się w kadrze i to nim, skierowanym w stronę aparatu, malujemy kształty.

Pamiętajcie, by się nie zrazić. Eksperymentujcie ze źródłem światła, czasem naświetlania. Ważne: ustalcie podczas zdjęć, gdzie zaczyna się i kończy granica kadru, tak, by osoby malujące światłem, wiedziały w jakim obrębie mogą się poruszać. Pamiętajcie, że możecie stworzyć zdjęcie zarówno z modelem jak i bez. Może to być też drzewo, zwierzę, budynek nocą…możliwości jest bardzo wiele! Niech włączy się Wasza kreatywność.

Wygląda na naprawdę groźną. No bo jak sfotografować jedzenie w wysmakowany sposób tak, by po pierwsze – zachęcało do jego spróbowania, a po drugie – nie odstraszało nadmierną obróbką i sztucznością? Wielu wydaje się, że do fotografii kulinarnej potrzeba wielkiego studia, najlepszego stylisty i świetnego sprzętu. Nic bardziej mylnego!

Aby wykonać dobre zdjęcie, wystarczy spora doza kreatywności i odpowiednie światło błyskowe, a sprzęt nie będzie aż tak istotny.

Co będzie potrzebne?

Co fotografujemy? Oczywiście, to co ugotowaliśmy i co będziemy jeść. Jednak już na tym etapie trzeba pamiętać o paru kwestiach. Nie każda potrawa jest fotogeniczna, nie każdą potrawę da się też odpowiednio przedstawić.
W chwili, gdy zamierzamy fotografować jedzenie, ważne jest jego odpowiednie ułożenie/rozmieszczenie na talerzu. Musimy pobawić się w food stylistę. Ważne jest także to, jakich naczyń i sztućców użyjemy. Ciekawy talerz, antyczny widelec, porcelanowa miska po babci – to przedmioty, które wniosą życie i ducha do naszego zdjęcia.

Wiele potraw na blogach kulinarnych czy w książkach ukazane jest na drewnianych stołach. Ale jak osiągnąć taki efekt, próbując fotografować w mieszkaniu, gdy ten jedyny stół jest z IKEI i nie zachwyca słojami drewna? Wystarczy pójść do jakiegokolwiek sklepu budowlanego lub tartaku, kupić parę desek, pomalować je np. bejcą i skleić na sklejce. Czyni cuda, naprawdę! A kto ma możliwość – niech pojedzie na wieś i pójdzie do paru gospodarzy. Ktoś na pewno w niedalekiej przeszłości rozbierał stodołę i ma na stanie sporo starych, autentycznych dech albo i stare drewniane drzwi z domu czy budynku gospodarczego.
To, na czym zaprezentujemy nasze jedzenie, jest kwestią kluczową.

Ważne jest także tło i dodatki. Zwykły talerz na pustej desce będzie prezentował się wybitnie nijako. Ale już stary talerz kupiony np. na pchlim targu w otoczeniu smakowitych dodatków posłuży nam za najlepsze tło. Skupmy się na dodatkach kulinarnych. Ozdóbmy daną potrawę elementami, z których ona się składa lub dobrze by się komponowała, np. jeśli fotografujemy tartę z kozim serem i figami, ułóżmy obok talerza te owoce i jakieś zioła lub kryształki soli, muffinki z malinami ozdóbmy świeżymi malinami i mąką.

A gdzie dostać piękne misy, talerze czy kubki? Niezawodne są strychy babć i wujków, ale też stare kredensy u rodziny, targi staroci czy sklepy z wyposażeniem domowym: IKEA, TK Maxx, Home & You.

Światło gra kluczową rolę

Jak zawsze – bez odpowiedniego światła ani rusz. Oczywiście możemy wykorzystać światło dzienne, najlepiej o poranku, gdy jest żywe i miękkie, ale warto pokusić się też o światło sztuczne, najlepiej błyskowe. Dlaczego? Jest ono znacznie mocniejsze od światła stałego i łatwiej się je modyfikuje. Przy fotografii kulinarnej warto korzystać z lamp o dużej możliwości regulacji energii błysku. Zalecana przeze mnie energia błysku to między 300 a 600 WS. Dzięki temu będziemy mogli oświetlić plan zdjęciowy, a co za tym idzie – przymknąć przysłonę do min. f/4. Potraw nie fotografuje się przy przysłonie rzędu f/1.8 z prostego względu – chodzi nam o to, by pokazać całość kompozycji, a nie jedynie mały detal. Dzięki odpowiedniemu oświetleniu i modyfikacjom (softboxy czy parasolki, plastry miodu) uda nam się zrobić porządnie oświetlone zdjęcie bez głębokich cieni. Starajmy się też nie oświetlać planu równomiernie – a punktowo lub z rozproszonym światłem, dzięki czemu zdjęcie nabierze głębi.

To chyba wszystko, na początek.

Fotografia kulinarna to naprawdę ciekawa dziedzina, ale w porównaniu do innych typуw fotografii wymaga dużo własnej inwencji, zarówno przy szukaniu podkładуw, dodatków, ale również przy oświetleniu. Jednak wystarczy parę razy przejść się po domu i sklepie, pojechać na targ i można będzie wyczarować cuda. Praktyka czyni mistrza!

Chyba nie ma na świecie fotografa, który w swoim portfolio nie miałby zdjęcia kwiatów. Czy to łąki pełnej kwitnących maków czy unikatowych macro ujęć róży. Możliwości jest naprawdę wiele, podobnie jak wiele jest koncepcji na temat. W tym artykule powiemy, na co zwrócić uwagę, jaka pora dnia jest odpowiednia, jak najlepiej skomponować zdjęcie. I co zrobi, by nasze zdjęcia nie były kolejnymi z serii „przyszła wiosna, ach!”.

1. Pamiętaj o świetle Rzecz kluczowa, to prawda. Jednak w tym wypadku – powiemy przewrotnie: skuś się na fotografowanie w pochmurny dzień – chmury dadzą miękkie światło i pozwolą wydobyć kolory i podkreślić delikatność kwiatów. Słońce niestety często prześwietla płatki kwiatów (najczęściej białe i żółte) wyostrza cienie, przez co zdjęcia nie są ładne ani jakościowo ani barwnie.

2. Uważaj na wiatr Kiedy fotografujesz kwiaty, wiatr jest twoim wrogiem. Najprostszym sposobem, aby go uniknąć jest fotografowanie wczesnym rankiem, kiedy to częściej możemy mieć do dyspozycji bezwietrzną pogodę. Wówczas też mamy piękne, bajkowe światło ze wschodem słońca, które podświetli kwiaty. Drugą metodą na walkę z wiatrem osłonięcie kwiatka materiałem (białym lub czarnym), które stanowić będzie idealne tło.

3. Użyj płytkiej głębi ostrości Używając małej głębi ostrości pokazujesz tylko to, co najważniejsze. W tle nie ma wówczas żadnego bałaganu, który odciągnąłby uwagę widza. Można to osiągnąć stosując przysłonę rzędu f4 lub 2.8. Uzyskany efekt jest jeszcze wyraźniejszy jeśli użyjemy do tego teleobiektywu lub też obiektywu makro.

4. Ostrość, ostrość, ostrość Kluczowym w fotografii kwiatów jest to, by część kwiatka pozostała ostra. W tym celu użyj statywu, uwolni on aparat od drżenia rąk. Migawkę wyzwól za pomocą pilota lub użyj czasomierza. Pamiętaj, że kwiaty to wątłe rośliny i są narażone na wiatr, dlatego staraj się używać jak najkrótszych czasów naświetlania. Ewentualnie możesz ostrość ustawić ręcznie aby mieć pewność, że jest we właściwym punkcie.

5. Nie bój się postprodukcji Przyciemnienie rogów, dodanie faktury lub przerobienie obrazu na wersję czarno-białą może pomóc Ci stworzyć coś wyjątkowego. Możesz podkręcić kolor, nałożyć filtr lub rozjaśnić pewne partie. Wszystkie chwyty są dozwolone, by nadać zdjęciu wyjątkowy charakter.

6. Połóż się na ziemi Zapomnij o fotografowaniu obiektu z góry. Aparat z odchylanym ekranem nie ma tu nic do rzeczy. Uchylany ekran może się przydać przy innych okazjach, ale przy zdjęciach makro musisz położyć się jak długi na ziemi. Tylko w ten sposób idealnie dobierzesz ostrość, rozmycie i kompozycję. To podstawowe rady, które pomogą Wam dojść do perfekcji. Mocno trzymamy kciuki za wspaniałe efekty!